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[ 1. 광학적 혼합] 1883년과 1884년 사이에 조르주 쇠라(Georges Pierre Seurat, 1859~1891)는 기존의 인상주의 화법과 구별되는 새로운 기법을 개발한다. 인상주의자들이 팔레트나 캔버스 위에서 물감을 섞었다면, 쇠라는 색의 혼합이 관람자의 눈 위에서 일어나야 한다고 믿었다. 인상주의자들은 색과 빛을 대체로 동일시했지만, 쇠라는 색과 빛의 성질이 서로 다르다는 것을 알고 있었다. 가령 물감은 섞으면 섞을수록 어두워지고, 빛은 섞으면 섞을수록 밝아진다. 한마디로 물감의 혼합이 명도를 떨어뜨리는 감산혼합(subtractive mixture)이라면, 빛의 혼합은 명도를 높여주는 가산혼합(additive mixture)이다. 쇠라의 과제는 감산혼합의 성격을 가진 물감으로 어떻게 가산혼합의 성질을 가진 빛의 효과를 재현하느냐 하는 데에 있었다. 쇠라는 명도의 저하를 피하기 위해 물감을 섞는 대신 색을 원색의 미세한 점들로 분할하여 화면에 병치하는 방법을

[ 1. 고흐의 표현주의] ‘후기 인상주의(Post-Impressionism)’는 대략 1890년에서 1905년 사이의 프랑스 미술의 경향을 일컫는 말이다. 이 말을 처음 사용한 사람은 영국의 비평가 로저 프라이(Roger Eliot Fry, 1866~1934)로, 그는 이 명칭을 그저 ‘인상주의 이후의 흐름’이라는 가벼운 뜻으로 사용했다. 그 때문에 이 말은 종종 신인상주의 · 상징주의 · 야수주의까지 포괄하는 의미로 사용되기도 한다. 실제로 프라이가 1910년에 개최한 ‘마네와 후기 인상주의자들’ 전시회에는 고흐 · 고갱 · 세잔 외에 신인상주의자인 쇠라, 야수주의자인 마티스 · 드랭 · 블라맹크의 작품까지 포함되어 있었다. 하지만 오늘날 ‘후기 인상주의’라는 말은 대체로 고흐 · 고갱 · 세잔으로 대표되는 경향을 가리키는 데에 사용된다. 여기에서는 이 일반적 용례를 따르기로 한다. 빈센트 반 고흐(Vincent van Gogh, 1853~1890)는 화상(畫商)으로

[ 1. 현실에서 상상으로] 상징주의는 19세기 말 프랑스를 중심으로 유럽 전역에서 일어난 문학운동 및 미술운동의 이름이다. ‘상징주의’라는 말은 시인이자 비평론자인 장 모레아스(Jean Moréas, 1856~1910)가 <피가로> 지(紙)에 기고한 ‘상징주의 선언’(1886)에서 처음 사용한 것으로 알려져 있다. 그 ‘선언’에서 모레아스는 상징주의 시를 “관념에 감각적 형태”를 입히는 작업으로 규정한다. 상징주의 시에서 감각적 형태는 그 자체가 목적이 아니라, 보이지 않는 관념을 표현하는 기호일 뿐이라는 것이다. 원래 ‘상징(symbol)’이라는 말은 ‘함께 던지다(jetter ensemble)’라는 뜻을 갖고 있다. 이 정의에 따르면 상징주의 시란 결국 감각적 이미지에 초감각적 관념을 실어 함께 던지는 시를 가리킬 게다. 이는 물론 회화에도 그대로 적용된다. 이처럼 이(=상징주의) 예술에서 자연의 그림, 인간의 행동, 모든 구체적 현상은 그 자체로 나타나지 않는다.

1874년 4월 파리에서 조그만, 그러나 미술사적으로 지대한 의미를 갖는 전시회가 열린다. 사진작가 나다르의 화랑에서 열린 이 전시회에는 클로드 모네(Claude Monet, 1840~1926)와 피에르 오귀스트 르누아르(Pierre Auguste Renoir, 1841~1919), 카미유 피사로(Camille Pissarro, 1830~1903), 그리고 알프레드 시슬레(Alfred Sisley, 1839~1899) 등 당시 예술아카데미에서

에두아르 마네(Édouard Manet, 1832~1883)는 흔히 인상주의자로 소개되곤 하나, 정작 그는 평생 동안 자신을 ‘사실주의자’로 여겼다. 그가 인상주의 화가들과 폭넓게 교류한 것은 사실이지만, 그는 그들과의 만남을 가벼운 친교 모임으로 생각했을 뿐, 그들이 주도하는 운동에 참여하지는 않았다.

[모네의 풍경과 르누아르의 풍속] 생의 마지막까지 인상주의자로 남은 모네 · 피사로 · 시슬레와 달리, 에드가 드가(Edgar Degas, 1834~1917)와 피에르 오귀스트 르누아르(Pierre-Auguste Renoir, 1841~1919)는 수미일관하게 인상주의를 추구하지 않았다. 르누아르는 인상주의의 탄생에 적지 않은 기여를 했지만, 즐겨 그리는 제재의 측면에서 동료들과 확연히 달랐고, 특히 1880년대 이후에는 인상주의 화법을 버린 후 다시 그리로 돌아가지 않았다. 드가의 경우는 흔히 ‘인상주의자’라 불리나, 그 명칭이 무색하게 그의 화풍은 첫눈에 보아도 인상주의자의 그것과는 거리가 멀다. 사실 일시적 · 순간적 장면을 포착했다는 점을 제외하면, 드가와 인상주의 사이에는 거의 공통점이 없을 정도다. 실제로 그는 인상주의자라기보다는 ‘사실주의자’라 불리기를 더 좋아했다고 한다. 동료들처럼 르누아르 역시 출발점은 사실주의였다. 그래서 그의 초기 작품에는 사실주의적

미술에 대해 문외한이라도 고전미술과 현대미술의 차이는 금방 알아차릴 게다. 고전미술에는 식별할 수 있는 대상이 있고, 읽어낼 수 있는 스토리가 있다. 우리에게 그 대상은 감각적 쾌감을 주고, 그 메시지는 정서적 감동을 준다. 반면 20세기 현대미술에는 종종 알아먹을 만한 대상이 없다.

앞에서 고전 예술의 이념에 대해 살펴보았다. 미술에 현대성이 관철되는 과정은 ‘아름다운 가상’이라는 고전적 예술 이념이 무너지는 과정이기도 하다. 고전 예술의 붕괴는 19세기 중엽 사실주의(realism)와 더불어 시작된다.

인상주의는 사물을 ‘보는 방식’에 일어난 혁명이었다. 색이란 빛과 대기가 만들어내는 효과라는 것이 모든 인상주의자가 공유하는 공통의 신념이었다. 이 믿음에 따라 그들은 화면에서 검은색의 사용을 포기하고, 어두운 색은 보색을 이용해 표현하는 방법을 택했다.

19세기 초반에 영국에는 이렇다 할 화가가 존재하지 않았다. 이 예술적 불모의 상황에서 일군의 젊은이들이 아카데미 예술에 반기를 들고 ‘전(前)라파엘 형제단(Pre-Raphaelitic Brotherhood)’이라는 모임을 결성한다(‘라파엘’은 ‘라파엘로’의 영어 이름).

낭만주의에서 사실주의로 전환하는 계기가 된 것은 1844년에서 1857년 사이에 벌어진 ‘사실주의 논쟁(bataille réaliste)’이었다. 여기서 결정적 역할을 한 사람은 ‘화가의 작업실’에도 등장하는 비평가 샹플뢰리. 문학을 중심으로 이루어졌던 사실주의 논쟁은 ‘사실주의의 얼굴’이라는 쿠르베를 통해 미술계로까지 급속히 번진다.

[ 1. 인상주의 시기] 폴 세잔(Paul Cézanne, 1839~1906)은 서구 미술이 19세기 인상주의에서 20세기 모더니즘으로 넘어가는 데에 가교 역할을 한 인물이다. 칸딘스키는 “마티스-색채, 피카소–형태”라며 이 두 인물이 “위대한 목표를 지향”하기 시작했다고 말했다. 르네상스 이후 서구 미술은 자신을 ‘자연의 모방’, 즉 가시적 현실의 재현으로 이해해왔다. 회화에서 드로잉은 대상의 윤곽을, 채색은 대상의 색채를 따라야 한다는 것이다. 그런데 이 의무로부터 마티스는 색채를, 피카소는 형태를 해방시켰다. 흥미로운 것은 현대미술의 이 두 위대한 이정표가 모두 세잔을 ‘우리 모두의 아버지’라 불렀다는 점이다. 세잔이 없었다면 현대미술은 아예 탄생하지 못했거나, 최소한 그 출발이 훨씬 더 늦추어졌을 것이다. 세잔의 이력은 그 자체가 프랑스 미술사의 요약이라 할 수 있다. 그 안에서 낭만주의, 사실주의, 인상주의, 후기 인상주의로 이어지는 19세기 프랑스의 미술사가 반

[ 1. 푸생을 자연 위에서] 세잔은 한 장의 초상화를 그리기 위해 모델을 같은 자리에 수없이 앉혔다. 아무리 고쳐 그려도 자연의 본질을 제대로 포착했는지 스스로 확신할 수 없었기 때문이리라. 이것이 이른바 ‘세잔의 회의’다. 여기서 그의 작업 방식이 순간적 인상을 즉흥적으로 표현하던 인상주의자들의 그것과 얼마나 다른지 엿볼 수 있다. 1906년 아들에게 보낸 편지에서 세잔은 “눈이 점점 더 날카로워지고 있지만 아직도 느낀 것들을 실현하는 데에 항상 어려움”을 겪고 있다고 실토한다. “감각들 앞에서 전개되는 저 강렬함에 도달할 수가 없어.” 감각에 나타나는 자연의 ‘강렬함’을 상대하는 것이 그에게는 큰 고역이었던 모양이다. 화상 볼라르와 나눈 대화에서 그는 그 고통을 이렇게 토로한다. 회화는 확실히 내게 세계 속의 나머지 모든 것 이상을 의미합니다. 나는 자연의 존재 속에 있을 때 정신이 더 맑아진다고 생각합니다. 불행하게도 내 감각의 실현은 내 안에서 항상 매우...

한성필의 [파사드] 시리즈는 복제를 복제함으로써 ‘재현’을 주제화하려 한다. 복제의 복제는 실물과 가상의 차이를 흐려 버린다. 각각 현실과 가상의 차이도 인화지 위에서는 똑같은 가상의 지위를 갖게 된다.

… 인류 역사상 ‘철학하기’는 언제, 어떻게, 왜 시작되었을까? 지식으로서의 철학이 아닌 사유하는 방법으로서의 철학이 절실한 시대 그 기원을 묻다! … (동영상 출처 : 철학 오디세이) 지금까지 미술과 미학에 관한 글을 줄곧 써왔다. 대중적으로 알려진 《미학 오디세이》와 《진중권의 서양미술사》를 집필했고, 《현대미학 강의》 등 현대미술과 현대미학에 관한 글도 썼다. 그러나 미학에 대한 논의의 밑바탕에는 항상 철학사가 있었다. 철학과 예술은 인간의 가장 근원적인 지적 호기심을 채워 준 지식이기에 따로 떨어져 이야기될 수 없다. 철학은 단순히 내용을 이해하고 사상의 흐름만을 외우고 좇는 학문이 아니다. 혹은 괜히 멋있어 보이고 있어 보이는, 추상적인 학문도 아니다. 철학은 논리적이고 합리적인 사유 방식 그 자체다. 그렇다면 우리는 언제부터 철학을 하게 되었을까? 이 연재는 태초에 인류 역사에서 철학이 싹트는 그 시작점을 살피고, 그렇게 탄생한 철학적 사유가 기존의...